「예술, 인간을 말하다」 EP.39
1666년, 이탈리아 크레모나의 어느 작업실.
열두 살의 소년이 바이올린 장인의 작업실 바닥을 쓸고 있습니다. 니콜로 아마티의 작업실. 당대 최고의 현악기 제작자. 소년은 바닥을 쓸면서 스승의 손을 봅니다. 나무를 만지는 손. 끌로 깎는 손. 니스를 바르는 손.
소년의 이름은 안토니오 스트라디바리(Antonio Stradivari).
그는 아직 아무것도 아닙니다. 바닥을 쓰는 소년입니다. 그러나 그의 눈이 모든 것을 기억합니다. 나무의 결이 어떻게 소리에 영향을 주는지. 표면의 곡선이 어떻게 음파를 모으는지. 니스의 두께가 어떻게 음색을 바꾸는지.
그는 배웁니다. 그리고 스승을 넘어섭니다.
스트라디바리가 완성한 바이올린들. 오늘날 그의 이름을 단 악기가 약 600점 남아있습니다. 그 중 최상급의 것들이 경매에서 수십억 원에 거래됩니다. 그리고 세계 최고의 연주자들이 그 악기를 가지고 싶어 줄을 섭니다.
왜일까요.
스트라디바리의 바이올린이 특별한 소리를 냅니다. 다른 악기들과 다른 소리. 더 크고, 더 풍부하고, 더 오래 울리는 소리. 그 차이가 어디서 오는지를 현대 과학자들이 350년간 연구했습니다. 나무의 종류, 니스의 성분, 형태의 비례. 모든 것이 분석되었습니다. 그러나 완전히 재현하지 못했습니다.
반 룬은 이 수수께끼 앞에서 멈춥니다. 예술의 어떤 것은 분석될 수 없다고. 위대한 장인의 손이 지나간 자리에 남는 무언가가 있다고. 그것이 측정되지 않는다고 해서 존재하지 않는 것이 아니라고.
크레모나는 그 존재하지만 측정될 수 없는 것의 도시였습니다.
크레모나 : 왜 이 도시인가
포강 남쪽 롬바르디아 평원의 작은 도시 크레모나. 밀라노에서 남쪽으로 약 70킬로미터. 오늘날 인구 약 7만 명.
이 평범해 보이는 도시가 왜 서양 음악 역사에서 가장 중요한 장소 중 하나가 되었을까요.
반 룬은 여러 이유를 봅니다.
먼저 나무입니다. 크레모나 주변 알프스 산기슭의 숲에서 가문비나무(spruce)와 단풍나무(maple)가 자랐습니다. 이 나무들이 악기 제작에 이상적인 특성을 가지고 있었습니다. 특히 높은 고도에서 천천히 자란 가문비나무의 조밀한 나이테가 소리의 전도에 탁월했습니다. 크레모나 장인들은 이 나무들을 수십 년간 건조시켜 사용했습니다.
그다음은 전통의 축적입니다. 한 세대의 장인이 다음 세대에게 기술을 전수했습니다. 아마티 가문이 먼저 왔습니다. 그들의 제자들이 스트라디바리와 과르네리였습니다. 이 연속된 전수 속에서 기술이 쌓이고 다듬어졌습니다.
그리고 경쟁이 있었습니다. 같은 도시에서 여러 최고의 장인들이 동시에 활동했습니다. 서로의 악기를 보고, 비교하고, 더 나은 것을 만들려 했습니다. 이 선의의 경쟁이 크레모나의 악기를 세계 최고로 끌어올렸습니다.
반 룬은 크레모나가 피렌체 르네상스와 닮았다고 봅니다. 한 장소에서, 한 시기에, 천재들이 모여 서로를 자극하면서 인류 역사상 가장 위대한 것들을 만들어낸 것. 피렌체에서 그것이 회화와 조각이었다면, 크레모나에서 그것이 바이올린이었습니다.
아마티 가문 : 모든 것의 시작
크레모나 바이올린 제작의 역사는 아마티(Amati) 가문에서 시작됩니다.
안드레아 아마티(Andrea Amati, 1505~1577). 그가 현재 우리가 알고 있는 형태의 바이올린을 확립한 사람으로 알려져 있습니다. 바이올린이 그 이전에 없었던 것은 아닙니다. 비올, 리라, 피델. 여러 종류의 현악기들이 있었습니다. 그러나 안드레아 아마티가 이 모든 전통을 종합하고 정제하여 우리가 오늘날 바이올린이라고 부르는 형태를 만들었습니다.
그의 바이올린들이 프랑스 왕 샤를 9세의 왕실로 납품되었습니다. 최초의 왕실 주문. 이것이 크레모나 바이올린의 국제적 명성의 시작이었습니다.
니콜로 아마티(Nicolò Amati, 1596~1684). 안드레아의 손자. 아마티 가문에서 가장 위대한 장인. 그가 바이올린의 형태를 더욱 발전시켰습니다. 더 큰 울림통, 더 정교한 f자형 구멍, 더 아름다운 비례. 니콜로의 바이올린들이 오늘날에도 박물관에서 세계 최고의 악기로 보존됩니다.
그러나 니콜로의 가장 위대한 업적은 그가 만든 악기가 아니었습니다. 그가 키운 제자들이었습니다.
안토니오 스트라디바리. 안드레아 과르네리. 이 두 사람이 니콜로의 작업실에서 배웠습니다. 그리고 스승을 넘어섰습니다.
반 룬은 이 세대 전수에서 예술적 위대함이 어떻게 탄생하는지를 봅니다. 혼자서는 위대함이 나오기 어렵습니다. 최고에게서 배우고, 그것을 기반으로 더 나아가는 것. 아마티가 없었다면 스트라디바리도 없었습니다. 스트라디바리가 아마티보다 위대한 것이 아마티를 작게 만들지 않습니다. 오히려 아마티의 위대함이 더 위대한 것을 낳았다는 것이 아마티의 진정한 성취입니다.
안토니오 스트라디바리 : 완벽을 향한 70년
안토니오 스트라디바리(Antonio Stradivari, 1644~1737). 93세까지 살면서 약 1,100점의 악기를 만들었습니다. 바이올린, 비올라, 첼로, 기타, 하프. 그 중 약 600점이 오늘날까지 남아있습니다.
이 숫자들이 놀랍습니다. 그러나 더 놀라운 것은 그 93년의 생애 동안 그가 멈추지 않고 나아갔다는 것입니다. 더 나은 소리를 찾아서. 더 완벽한 형태를 찾아서.
그의 작업실에는 수천 개의 나무 조각이 있었습니다. 그가 수십 년에 걸쳐 수집하고 건조시킨 것들. 어떤 나무가 어떤 소리를 내는지를 그는 손으로 알았습니다. 나무를 두드려보고, 구부려보고, 냄새를 맡아보고. 이 나무가 얼마나 건조되었는지, 어떤 특성을 가지고 있는지를 느꼈습니다.
스트라디바리 바이올린의 황금기는 1700년에서 1720년 사이로 꼽힙니다. 이 시기의 악기들, 이른바 황금기 스트라디바리(golden period Stradivari)가 세계에서 가장 값비싼 악기들입니다.
《메시아(Messiah)》. 1716년에 제작된 이 바이올린이 옥스퍼드 애슈몰린 박물관에 있습니다. 스트라디바리의 손을 떠난 후 거의 연주되지 않아 원래 상태를 가장 잘 보존하고 있습니다. 300년이 지난 오늘도 새것처럼 보입니다. 그 보존 상태가 너무 완벽해서 오히려 진품 논쟁이 생겼을 정도입니다.
스트라디바리의 비밀이 무엇인가. 수백 년간 과학자들이 연구했습니다.
한 가지 유력한 이론은 소빙기(Little Ice Age)입니다. 17세기 유럽이 유난히 추운 시기였고, 이 시기에 자란 나무들의 나이테가 더 촘촘하고 밀도가 높았습니다. 이 나무들이 소리의 전도에 이상적이었다는 것. 오늘날 같은 나무를 구할 수 없습니다.
다른 이론은 니스입니다. 스트라디바리가 사용한 니스의 성분이 특별했다는 것. 특정 광물 성분이 나무의 특성을 변화시켜 소리를 향상시켰다는 연구들이 있습니다.
그러나 반 룬은 이 과학적 분석들에 회의적입니다. 스트라디바리의 비밀이 나무나 니스만은 아니라고. 그것은 70년의 경험이 손에 쌓인 것이라고. 무엇을 어떻게 깎는지, 어떤 곡선이 어떤 소리를 내는지, 각 부분이 전체와 어떻게 관계하는지를 손이 아는 것. 이것은 분석될 수 없습니다. 전수될 수 있을 뿐입니다. 그리고 스트라디바리와 함께 그 앎의 어떤 부분이 사라졌습니다.
과르네리 : 또 다른 천재
크레모나에는 스트라디바리만 있지 않았습니다.
과르네리(Guarneri) 가문도 있었습니다. 안드레아 과르네리(Andrea Guarneri, 1625~1698)가 역시 니콜로 아마티의 작업실에서 배웠습니다. 그의 아들과 손자들이 대를 이어 작업실을 운영했습니다.
과르네리 가문에서 가장 위대한 이름은 바르톨로메오 주세페 과르네리(Bartolomeo Giuseppe Guarneri, 1698~1744)입니다. 자신의 악기에 IHS(예수의 라틴어 약자)를 새겨 넣었기 때문에 '델 제수(del Gesù, 예수의)'라는 별명으로 불립니다.
과르네리 델 제수의 바이올린은 스트라디바리와 다릅니다. 스트라디바리가 완벽한 형태와 정교한 마감을 추구했다면, 과르네리 델 제수는 거칩니다. 표면이 고르지 않습니다. 마감이 완벽하지 않습니다. 어떤 악기들은 서둘러 만든 것처럼 보입니다.
그러나 그 소리는 다릅니다. 더 어둡고, 더 강렬하고, 더 원초적입니다. 스트라디바리의 소리가 귀족적이라면 과르네리의 소리는 민중적입니다. 스트라디바리가 빛이라면 과르네리는 불입니다.
니콜로 파가니니(Niccolò Paganini). 19세기 가장 위대한 바이올리니스트가 과르네리 델 제수를 선택했습니다. 그가 사용한 악기 《대포(Il Cannone)》가 오늘날 제노바 시청에 보존됩니다. 파가니니가 죽으면서 이 악기를 제노바 시에 기증했습니다. 그러나 조건이 있었습니다. 아무도 연주하지 말라는 것. 악기가 연주되지 않으면서 천천히 죽어가게 하라는 것. 그가 영원히 가장 위대한 연주자이게 하기 위해서.
반 룬은 이 유언에서 위대한 예술가의 자존심과 비극이 동시에 보인다고 씁니다. 자신의 악기가 다른 사람의 손에서 더 위대하게 울릴 수 있다는 것을 두려워한 것. 그러나 동시에 그 두려움이 얼마나 인간적인지를. 파가니니만이 아닙니다. 모든 예술가가 자신의 것이 자신과 함께 기억되기를 원합니다.
바이올린이 바꾼 음악
바이올린의 탄생과 크레모나 장인들의 완성이 음악 역사를 어떻게 바꾸었는지를 이해해야 합니다.
바이올린 이전에 현악기들이 있었습니다. 비올(viol) 가족. 다리 사이에 끼거나 무릎 위에 놓고 연주하는 악기들. 이 악기들이 르네상스 실내악의 중심이었습니다. 그러나 비올의 소리는 부드럽고 내면적입니다. 큰 공간을 채우기 어렵습니다.
바이올린은 달랐습니다. 어깨와 턱으로 지탱하여 연주하는 자세. 이 자세가 연주자의 두 손을 완전히 자유롭게 했습니다. 빠른 패시지, 광범위한 보잉(bowing), 극적인 음량 변화. 이 모든 것이 바이올린에서 가능해졌습니다.
그리고 바이올린의 소리가 공간을 채웠습니다. 교회에서, 궁전 홀에서, 극장에서. 바이올린이 오케스트라의 중심이 되었습니다. 현악기 섹션이 오케스트라의 핵심이 된 것은 바이올린의 등장 덕분이었습니다.
아르칸젤로 코렐리(Arcangelo Corelli, 1653~1713). 바이올린 음악의 확립자. 그가 발전시킨 바이올린 기법과 음악 형식이 이후 한 세기의 기준이 되었습니다. 소나타, 합주 협주곡. 그의 음악에서 바이올린이 처음으로 오케스트라의 독립적 목소리를 가졌습니다.
안토니오 비발디(Antonio Vivaldi, 1678~1741). 베네치아의 붉은 머리 사제. 그가 바이올린 협주곡 형식을 완성했습니다. 《사계(Le Quattro Stagioni)》. 오늘날 클래식 음악에서 가장 많이 연주되는 작품 중 하나. 바이올린이 봄의 새소리를, 여름의 폭풍을, 가을의 수확을, 겨울의 차가운 바람을 표현합니다. 바이올린이 이렇게까지 세계를 묘사할 수 있다는 것을 비발디가 보여주었습니다.
요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685~1750). 그의 《무반주 바이올린을 위한 소나타와 파르티타(Sonatas and Partitas for Solo Violin)》. 반주 없이 혼자 연주하는 바이올린이 하나의 완결된 음악 세계를 만들어냅니다. 샤콘느(Chaconne). 이 파르티타 2번의 마지막 악장을 바흐는 단 한 대의 바이올린을 위해 썼습니다. 그러나 그 음악이 오케스트라 전체의 무게를 가지고 있습니다. 어떻게 네 줄의 악기가 이것을 담을 수 있는가. 브람스는 이 악장을 가리켜 "단 하나의 작은 악기에 담긴 온 세계"라고 불렀습니다.
반 룬은 바흐의 샤콘느 앞에서 오래 머뭅니다. 크레모나의 장인들이 만든 악기가 바흐의 손에서 이것을 표현할 수 있게 되었습니다. 나무와 니스와 현이 인간의 가장 깊은 감정을 담는 그릇이 된 것. 악기와 음악이 만났을 때 일어나는 기적.
첼로 : 낮은 목소리의 발견
크레모나 장인들이 바이올린만 만든 것은 아니었습니다. 첼로(cello)의 탄생과 발전도 크레모나와 연결됩니다.
첼로의 정식 명칭은 비올론첼로(violoncello). 작은 큰 바이올린이라는 뜻입니다. 처음에 첼로는 주로 저음을 보강하는 역할이었습니다. 오케스트라의 바닥을 만드는 악기. 독립적인 목소리를 가지지 못했습니다.
그러나 바흐가 첼로를 혼자 세웠습니다.
《무반주 첼로 모음곡(Cello Suites)》 여섯 곡. 이 작품들이 오늘날 첼로의 성경으로 불립니다. 단 한 대의 첼로가 세 시간이 넘는 음악을 혼자 연주합니다. 그 음악에서 인간의 내면의 독백이 들립니다. 슬픔, 기쁨, 명상, 춤.
첼로의 소리가 왜 이토록 사람들의 마음을 건드리는가. 반 룬은 그 음역대가 인간의 목소리와 가장 가깝기 때문이라고 봅니다. 특히 중저음 영역에서 첼로가 내는 소리는 남성의 목소리, 혹은 인간이 진지하게 말할 때의 목소리와 비슷합니다. 그래서 첼로가 연주할 때 우리는 무의식적으로 누군가가 우리에게 직접 말하고 있다고 느낍니다.
스트라디바리가 만든 첼로들도 현존합니다. 그 중 《다우고트-포이어만(Duport)》 첼로가 특히 유명합니다. 나폴레옹이 한때 소유했고, 현재는 베를린 국립 박물관에 있습니다. 이 악기의 공명판에 나폴레옹의 박차 자국이 있다고 알려져 있습니다. 말을 타던 황제가 세계 최고의 악기를 발로 긁었다는 이야기.
반 룬은 이 일화에서 권력과 예술의 영원한 불평등을 봅니다. 권력은 예술을 소유할 수 있습니다. 그러나 예술을 이해할 수는 없습니다. 나폴레옹의 박차 자국이 있어도 스트라디바리의 첼로는 스트라디바리의 것입니다.
기술의 전수 : 사라지는 것과 남는 것
크레모나 바이올린 제작의 역사에서 가장 슬픈 이야기는 기술의 단절입니다.
18세기 말, 크레모나의 황금기가 끝났습니다. 스트라디바리가 1737년에 죽었습니다. 과르네리 델 제수가 1744년에 죽었습니다. 다음 세대의 장인들이 있었지만 그 수준에 이르지 못했습니다.
왜였을까요.
기술이 전수되지 않았습니다. 스트라디바리는 자신의 방법을 명문화하지 않았습니다. 책으로 쓰지 않았습니다. 제자들에게 일일이 가르치지도 않았습니다. 그는 그냥 만들었습니다. 그의 아들들이 작업실을 이었지만 아버지의 수준에 도달하지 못했습니다.
이것이 장인 예술의 비극입니다. 가장 위대한 것은 종종 언어로 전달될 수 없습니다. 손이 아는 것, 몸이 아는 것. 이것은 가르칠 수 없습니다. 함께 일하면서 옆에서 보고 느끼면서 서서히 전달됩니다. 그러나 그 전달도 완전하지 않습니다. 스승이 가진 것의 일부만이 제자에게 건너갑니다.
오늘날 크레모나에는 여전히 바이올린 장인들이 있습니다. 전 세계에서 학생들이 와서 배웁니다. 크레모나 국제 현악기 제작 학교(International School of Violin-Making)가 운영됩니다. 현대의 장인들이 만든 바이올린도 뛰어납니다.
그러나 스트라디바리의 황금기 악기들은 재현되지 않습니다. 가장 가깝게 흉내 낸 것들도 그 소리에는 미치지 못합니다.
반 룬은 이 사실을 받아들이면서 예술의 비가역성을 이야기합니다. 어떤 것들은 그것이 만들어진 시간과 사람과 조건이 사라지면 함께 사라집니다. 재현할 수 없습니다. 모방할 수 없습니다. 이것이 슬프지 않습니다. 오히려 그 덧없음이 그것을 더 소중하게 만듭니다. 600점의 스트라디바리가 남아있다는 것이 기적입니다. 단 한 점도 남지 않을 수 있었습니다.
현악 사중주 : 민주주의적 음악 형식
크레모나의 악기들이 만들어낸 또 하나의 위대한 산물이 있습니다. 현악 사중주(string quartet)입니다.
바이올린 두 대, 비올라 한 대, 첼로 한 대. 이 네 악기의 조합이 왜 이상적인가.
하이든(Franz Joseph Haydn, 1732~1809)이 이 형식을 완성했습니다. 그는 68개의 현악 사중주를 썼습니다. 이 형식을 탐구하면서 발전시켰습니다.
현악 사중주가 특별한 것은 그 민주성입니다. 오케스트라에는 지휘자가 있습니다. 한 사람이 전체를 통솔합니다. 그러나 현악 사중주에는 지휘자가 없습니다. 네 사람이 동등하게 대화합니다. 한 악기가 주도하다가 다른 악기가 응답하고, 그것이 또 다른 악기로 이어집니다. 대화. 논쟁. 화해. 합의. 이것이 현악 사중주입니다.
괴테가 현악 사중주를 가리켜 "네 명의 지적인 사람들 사이의 대화를 듣는 것 같다"고 말했습니다. 이 비유가 정확합니다. 현악 사중주는 음악으로 된 대화입니다.
그리고 베토벤(Ludwig van Beethoven, 1770~1827)이 이 형식으로 가장 깊은 것을 표현했습니다. 그의 말년 현악 사중주들, 특히 《현악 사중주 Op.131》과 《Op.135》. 청력을 완전히 잃은 후 쓴 이 작품들이 들을 수 없는 사람이 쓴 음악입니다. 그러나 그 어떤 음악보다 더 깊이 내면으로 들어갑니다. 외부의 소리가 사라졌을 때 인간의 내면에서 울리는 소리. 그것을 베토벤이 네 대의 현악기로 표현했습니다.
반 룬은 크레모나의 장인들이 이것을 알았을지 묻습니다. 자신들이 만드는 악기가 이런 음악을 담게 될 것을. 스트라디바리가 바이올린의 f자형 구멍을 조금 더 크게 열면서 베토벤의 사중주를 상상했을 리 없습니다. 그러나 그가 만든 악기가 결국 그것을 담았습니다. 장인의 꿈이 예술가의 비전과 만났을 때 일어나는 일. 이것이 크레모나가 음악 역사에 남긴 가장 깊은 유산입니다.
반 룬이 크레모나에서 읽어낸 것
반 룬은 이 챕터를 마무리하면서 나무와 음악의 관계에 대한 아름다운 성찰을 제시합니다.
나무가 살아있을 때 바람이 그 가지를 흔들면 소리가 납니다. 나무가 죽어서 장인의 손에 의해 바이올린이 되어도 소리가 납니다. 살아있을 때와 다른 소리. 그러나 역시 바람이, 즉 활의 움직임이 만드는 소리. 나무가 죽어서 오히려 더 정제된 소리를 내게 된 것.
이것이 예술의 역설이 아닌가. 반 룬은 씁니다. 원재료가 그대로 있을 때보다 예술가의 손을 거쳤을 때 더 깊은 소리를 냅니다. 나무가 나무일 때보다 바이올린이 되었을 때 더 많은 것을 말합니다. 경험이 쌓이고 고통이 있고 기교가 더해졌을 때 인간도 더 깊은 소리를 냅니다.
스트라디바리는 93세까지 살면서 바이올린을 만들었습니다. 그의 말년 악기들이 초기 악기들보다 더 좋다는 것이 일반적인 평가입니다. 70년의 경험이 손에 쌓인 것. 오랫동안 하면 할수록 더 깊어지는 것. 예술이 그렇습니다.
반 룬은 크레모나를 떠나면서 하나의 이미지를 가지고 갑니다. 스트라디바리의 작업실. 노인의 손이 나무를 만집니다. 그는 무엇을 생각하는지 모릅니다. 아무것도 생각하지 않는지도 모릅니다. 그냥 손이 알아서 움직입니다. 70년간 익힌 것이 손에 있습니다. 그 손이 지나간 자리에 악기가 남습니다. 그리고 그 악기가 300년 후에도 같은 소리를 냅니다.
이것이 장인 예술의 기적입니다. 손이 죽어도 소리는 남습니다. 크레모나의 나무들에서 시작된 소리가 여전히 세계의 콘서트홀에서 울립니다. 그리고 그 소리를 들을 때 우리는 알지 못하면서 스트라디바리의 손을 느낍니다.
이번 화 감상 추천
크레모나의 악기들이 만들어낸 소리의 세계를 직접 경험해 보시기를 권합니다.
- 요한 세바스티안 바흐, 《무반주 바이올린 파르티타 2번》 중 샤콘느 : 단 한 대의 바이올린을 위한 이 작품이 인류가 만든 음악 중 가장 위대한 것 중 하나로 꼽힙니다. 크레모나의 장인이 만든 악기와 바흐의 천재성이 만났을 때 무슨 일이 일어나는지를 이 15분의 음악이 보여줍니다. 처음 들을 때는 그 규모에 압도당하고, 다시 들을 때는 그 세부에 경이로워집니다.
- 안토니오 비발디, 바이올린 협주곡 《사계》 : 크레모나 악기들이 보급되면서 탄생한 바이올린 협주곡 형식의 가장 아름다운 예. 봄의 첫 번째 협주곡에서 바이올린이 새소리를 흉내 낼 때, 겨울의 두 번째 악장에서 빗소리가 현악기 전체에 퍼질 때, 크레모나의 장인들이 만든 악기가 세계 전체를 담을 수 있음을 느끼게 됩니다.
- 루트비히 판 베토벤, 《현악 사중주 13번 Op.130》 : 청력을 잃은 베토벤이 내면에서 들은 음악. 크레모나의 악기들이 탄생시킨 현악 사중주 형식이 이 작품에서 절정에 달합니다. 네 악기의 대화가 때로는 철학적 논쟁처럼, 때로는 오랜 친구들의 고요한 대화처럼 들립니다. 스트라디바리의 바이올린이 없었다면 이 음악도 없었습니다.
다음 화 예고
다음 시간에는 오페라와 현악기 음악이 발전하던 같은 시기에 등장한 또 하나의 새로운 오락으로 넘어갑니다. 귀족의 궁정에서 시작되었지만 점점 대중의 것이 된 공연 예술. 음악과 무용과 이야기가 결합된 화려한 무대. 그리고 그 무대가 어떻게 새로운 관객들을 만나며 변화했는지. 17세기와 18세기 유럽에서 사람들이 극장에 모이는 또 다른 이유가 된 그 새로운 오락을 함께 살펴보겠습니다.
EP.40 : 새로 유행한 오락에서 뵙겠습니다.
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