1838년 파리, 이른 아침.
한 남자가 창문을 열었습니다. 3층 창문. 그 아래로 붐비는 파리 가로수길, 탕플 대로(Boulevard du Temple)가 펼쳐졌습니다.
그는 이상한 상자를 창문 앞에 세웠습니다. 상자 안에 렌즈가 있었습니다. 렌즈 뒤에 은판이 있었습니다. 그 은판이 요오드 증기로 처리되어 있었습니다.
그리고 기다렸습니다.
4~5분.
거리에는 사람들이 오갔습니다. 마차들이 달렸습니다. 상점들이 문을 열었습니다. 그 모든 것들이 너무 빠르게 움직여서 은판에 흔적을 남기지 못했습니다.
그러나 한 곳에서 두 사람이 멈추어 있었습니다. 구두를 닦는 사람과 그 손님. 그 4분 동안 꼼짝하지 않았습니다.
은판을 꺼냈습니다. 처리했습니다. 그리고 이미지가 나타났습니다.
탕플 대로. 그리고 왼쪽 아래 구석에, 인류 역사상 처음으로 사진 속에 기록된 두 인간.
루이 자크 망데 다게르(Louis Jacques Mandé Daguerre, 1787~1851).
반 룬은 이 순간을 예술 역사의 가장 극적인 전환점 중 하나로 봅니다. 구두닦이와 그 손님은 자신들이 역사를 만들고 있다는 것을 몰랐습니다. 다게르도 그 완전한 결과를 몰랐습니다. 단지 빛이 은판에 자국을 남긴다는 것만 알았습니다.
그리고 그 자국이 세계를 바꾸었습니다.
사진 이전 : 카메라 옵스큐라의 시대
사진이 갑자기 발명된 것이 아니었습니다. 오랜 준비가 있었습니다.
카메라 옵스큐라(Camera Obscura, 어두운 방). 이탈리아어로 "어두운 방"이라는 뜻. 바늘구멍이나 렌즈를 통해 바깥 이미지를 어두운 공간 안의 표면에 투영하는 장치.
이 원리가 아주 오래되었습니다. 아랍의 학자 이븐 알하이삼(Ibn al-Haytham, 965~1040)이 11세기에 이미 이 원리를 기술했습니다. 르네상스 시대 화가들이 이것을 보조 도구로 사용했습니다. 카날레토, 베르메르, 카라바조가 카메라 옵스큐라를 사용했다는 주장이 있습니다.
카메라 옵스큐라가 실제로 이미지를 투영했습니다. 그러나 그 이미지를 고정할 수 없었습니다. 렌즈를 다른 곳으로 옮기면 이미지가 사라졌습니다. 또는 빛이 바뀌면. 화가가 그 이미지를 눈으로 보면서 손으로 따라 그려야 했습니다.
문제는 이것이었습니다. 어떻게 이미지를 고정할 것인가.
빛에 반응하는 물질을 찾으면 됩니다.
조제프 니세포르 니에프스(Joseph Nicéphore Niépce, 1765~1833). 프랑스의 발명가. 1826년 또는 1827년, 그가 8시간의 노출로 창문 밖 풍경을 은판에 기록했습니다. 《르 그라에서 바라본 창밖 풍경(View from the Window at Le Gras)》. 현존하는 가장 오래된 사진.
그리고 다게르가 니에프스와 협업하기 시작했습니다. 니에프스가 1833년 죽었습니다. 다게르가 혼자 계속했습니다. 1839년 1월, 그가 다게레오타입(daguerreotype)을 세상에 공개했습니다.
노출 시간이 줄었습니다. 4~5분. 화질이 놀랍도록 선명했습니다. 세계가 충격을 받았습니다.
반 룬은 이 발명의 순간에서 기술이 예술을 만나는 방식을 봅니다. 기술이 먼저였습니다. 그리고 예술이 반응했습니다. 그 반응이 때로는 두려움이었고 때로는 흥분이었습니다.
1839년 1월 7일 : 세계가 달라진 날
1839년 1월 7일. 파리 과학 아카데미.
프랑수아 아라고(François Arago)가 다게레오타입을 공식 발표했습니다. 구체적인 기술 내용은 공개하지 않았지만 그 존재와 기본 원리를 설명했습니다.
이 소식이 즉각 세계로 퍼졌습니다.
런던에서 월리엄 헨리 폭스 탤벗(William Henry Fox Talbot)이 당황했습니다. 그도 비슷한 연구를 하고 있었습니다. 1835년부터 종이 위에 이미지를 기록하는 방법을 개발하고 있었습니다. 다게르보다 몇 년 앞선 실험이었지만 발표를 미루고 있었습니다. 이제 서둘러야 했습니다.
탤벗이 1834년과 1835년에 찍은 것들을 1839년 1월에 공개했습니다. 그리고 이후 칼로타입(calotype)을 발전시켰습니다. 종이 네거티브(음화)를 통해 여러 장의 양화(포지티브)를 만드는 방법. 오늘날 필름 사진의 직접적 선조.
8월 19일. 프랑스 정부가 다게레오타입 기술을 공식 공개했습니다. "세계에게 무상으로." 특허를 개인이 가지지 않고 공공의 것으로 만든 것. 그날 파리의 광학 상점들 앞에 사람들이 줄을 섰습니다.
독일 화가 파울 들라로슈(Paul Delaroche)의 반응이 유명합니다. 그가 다게레오타입을 처음 보고 말했습니다. "오늘부터 회화는 죽었다."
반 룬은 이 발언이 틀렸지만 동시에 통찰이었다고 봅니다. 회화가 죽지 않았습니다. 그러나 회화의 한 기능이 죽었습니다. 그리고 그 죽음에서 새로운 회화가 탄생했습니다.
초상화의 위기 : 화가들이 일자리를 잃다
사진이 가장 직접적으로 위협한 것이 초상화 화가들이었습니다.
이전에 자신의 얼굴을 기록하고 싶은 사람은 화가를 고용해야 했습니다. 여러 번 앉아서 모델이 되어야 했습니다. 비용이 많이 들었습니다. 결과가 화가의 실력에 달려 있었습니다.
이제 사진관에 가면 20분 안에, 훨씬 저렴하게, 훨씬 정확하게 자신의 얼굴을 기록할 수 있었습니다.
1840년대부터 유럽과 미국에 사진관이 우후죽순 생겼습니다. 파리, 런던, 뉴욕. 중산층 시민들이 처음으로 자신의 얼굴을 남길 수 있게 되었습니다. 이전에는 귀족과 부유층만의 특권이었던 것.
초상화 화가들 중 많은 이들이 직업을 잃었습니다. 살아남은 화가들은 방향을 바꾸었습니다. 더 이상 정확한 재현이 아닌 다른 것을 추구하기 시작했습니다.
반 룬은 이 위기에서 예술의 탄력성을 봅니다. 한 문이 닫히면 다른 문이 열립니다. 초상화 화가들이 사진에게 자리를 내주었지만 그 대신 예술이 사진이 할 수 없는 것을 향해 나아갔습니다.
나다르 : 사진이 예술이 되다
가스파르 펠릭스 투르나숑(Gaspard-Félix Tournachon), 예명 나다르(Nadar, 1820~1910). 그가 사진을 단순한 기록에서 예술로 끌어올렸습니다.
프랑스의 저널리스트, 캐리커처 화가, 기구(氣球) 조종사, 그리고 사진가. 파리 지식인 사회의 중심에 있던 사람.
그의 초상 사진들. 샤를 보들레르, 빅토르 위고, 귀스타프 쿠르베, 알렉상드르 뒤마, 사라 베르나르, 오펜바흐. 당대 파리를 빛냈던 이 모든 예술가들이 나다르의 렌즈 앞에 앉았습니다.
나다르의 사진들이 단순한 기록이 아니었습니다. 그가 각 인물의 성격을 포착했습니다. 빛의 방향. 자세. 표정. 이것들을 통해 그 사람의 본질을 드러내려 했습니다.
그리고 1874년. 나다르가 자신의 스튜디오 공간을 한 무리의 예술가들에게 빌려주었습니다. 그들이 처음으로 독립적인 전시회를 개최할 수 있도록.
그 전시회가 역사에 남았습니다. 첫 번째 인상주의 전시회.
나다르의 스튜디오에서 모네, 르누아르, 피사로, 드가, 모리조, 세잔이 처음으로 대중 앞에 섰습니다.
반 룬은 이 연결에서 놀라운 역설을 봅니다. 사진이 회화를 위협했습니다. 그 위기에서 인상주의가 탄생했습니다. 그리고 그 인상주의가 처음 세상에 나온 곳이 사진가의 스튜디오였습니다. 위협이 해방이 되는 것.
사진이 회화에서 훔쳐간 것, 선물한 것
사진이 회화에서 훔쳐간 것이 있습니다. 그리고 선물한 것도 있습니다.
훔쳐간 것. 현실의 정확한 재현이라는 임무. 이전에 화가들이 자연을 있는 그대로 그리는 데 많은 에너지를 쏟았습니다. 해부학적으로 정확한 인체. 원근법적으로 정확한 공간. 이제 사진이 그것을 더 잘, 더 빠르게 할 수 있었습니다.
선물한 것. 해방. 화가들이 정확한 재현의 의무에서 벗어났습니다. 이제 재현이 아닌 다른 것을 할 수 있었습니다. 감정을 표현하는 것. 순간의 빛을 포착하는 것. 현실 너머를 그리는 것.
인상주의자들이 이 해방을 가장 적극적으로 활용했습니다. 모네가 같은 풍경을 다른 빛에서 반복해서 그린 것. 사진이 순간을 고정하는 반면 모네가 시간의 흐름을 그린 것. 사진이 할 수 없는 것이었습니다.
드가가 무용수들을 그릴 때 카메라처럼 자르는 구도를 사용했습니다. 사진의 프레임 언어를 회화에 가져온 것. 그러나 그 화면 안에서 순간의 움직임을 캔버스에 영구히 기록했습니다.
마네가 《풀밭 위의 점심》과 《올랭피아》에서 한 것이 이것이었습니다. 사진처럼 직접적으로, 있는 그대로 보여주는 것. 그러나 사진이 줄 수 없는 회화의 고유한 존재감으로.
반 룬은 이 교환에서 기술과 예술의 관계에 대한 보편적 원리를 봅니다. 새로운 기술이 예술의 일부 기능을 대체할 때 예술이 더 순수해질 수 있습니다. 불필요한 것을 잃고 본질만 남는 것.
사진술의 발전 : 더 빠르게, 더 작게, 더 많이
사진술이 발명된 후 급격히 발전했습니다.
노출 시간. 다게르의 초기 방법이 4~5분이었습니다. 1840년대에 수십 초로 줄었습니다. 1870년대에 1초 이하로. 이 단축이 중요했습니다. 움직이는 것도 찍을 수 있게 된 것.
에드워드 머이브리지(Eadweard Muybridge, 1830~1904). 1872년, 말이 달릴 때 네 발이 동시에 공중에 뜨는 순간이 있는지를 확인하기 위한 실험. 여러 대의 카메라를 일렬로 세우고 말이 달리면서 줄을 끊게 했습니다. 결과는 놀라웠습니다. 말의 네 발이 동시에 공중에 뜨는 순간이 실제로 있었습니다.
이 연속 사진들이 "동물의 움직임" 연구로 발전했습니다. 그리고 나중에 영화로 이어졌습니다. 사진이 회화에 도전했고 나중에 영화가 사진에 도전했습니다.
뤼미에르 형제(Auguste와 Louis Lumière). 1895년, 최초의 공개 영화 상영. 파리 그랑 카페에서. 기차가 역으로 들어오는 장면을 본 관객들이 실제 기차가 오는 줄 알고 도망쳤다는 전설.
반 룬은 이 연속에서 예술과 기술의 영원한 경주를 봅니다. 회화가 사진에게 도전받았고, 사진이 영화에게 도전받았고, 영화가 텔레비전에게 도전받았습니다. 그리고 지금은 모든 것이 인터넷과 디지털 이미지에게 도전받고 있습니다. 그러나 그 각 단계에서 이전의 것들이 사라지지 않았습니다. 오히려 자신의 고유한 가치를 발견했습니다.
사진과 문서화 : 역사의 새로운 증인
사진이 예술 이상의 것이 되었습니다. 역사의 증인이 된 것.
마크 브래디(Mathew Brady, 1822~1896). 미국 남북 전쟁(1861~1865)을 사진으로 기록했습니다. 전쟁의 실상을 처음으로 사람들이 보게 되었습니다. 사망자들. 무너진 도시들. 전장의 참상.
이전에는 전쟁이 그림을 통해 전달되었습니다. 그 그림들이 대개 영웅적이었습니다. 브래디의 사진들은 달랐습니다. 죽은 병사들이 들판에 누워있는 사진들. 이것이 전쟁이었습니다.
브래디의 남북 전쟁 사진 전시회를 본 한 신문 기자가 썼습니다. "브래디가 전쟁을 우리 문 앞에 가져왔다."
반 룬은 이 기록의 힘에서 사진의 두 번째 혁명을 봅니다. 예술적 혁명뿐만이 아닌 민주주의적 혁명. 권력자들이 통제하던 역사의 서술을 사진이 일반인도 볼 수 있게 만들었습니다. 그리고 거짓말하기 어렵게 만들었습니다. 사진이 있는 곳에서 현실의 왜곡이 더 어려워졌습니다.
인상주의 : 사진에 대한 회화의 응답
사진의 발명이 있고 30년 후, 인상주의가 탄생했습니다.
우연이 아닙니다.
인상주의자들이 사진이 할 수 없는 것을 했습니다.
사진이 순간을 고정합니다. 그러나 인상주의가 시간의 흐름을 표현합니다. 모네의 수련들이 아침과 저녁이 다릅니다. 같은 연못이지만 빛이 다릅니다. 사진이 하나의 순간을 고정하지만 모네가 시간이 지나면서 바뀌는 것을 포착했습니다.
사진이 보이는 것을 기록합니다. 인상주의가 보이는 것이 눈에 어떻게 보이는지를 기록했습니다. 즉 网막 위의 인상. 그것이 인상주의(Impressionism)라는 이름의 이유입니다.
사진이 사실을 담습니다. 인상주의가 경험을 담았습니다. 이 차이가 결정적이었습니다.
반 룬은 인상주의가 사진 때문에 가능했다고 봅니다. 사진이 없었다면 인상주의자들이 사진처럼 그려야 하는 압박에서 벗어나지 못했을 것입니다. 그 해방이 현대 미술의 문을 열었습니다.
반 룬이 사진의 발명에서 읽어낸 것
반 룬은 이 챕터에서 예술과 기술의 관계에 대한 깊은 성찰을 제시합니다.
기술이 예술을 대체한다는 공포는 역사적으로 반복되어 왔습니다. 그리고 반복적으로 틀렸습니다.
인쇄술이 필사 예술을 파괴했는가. 아닙니다. 인쇄된 책이 나왔지만 필기 예술도 살아남았습니다. 오히려 인쇄 덕분에 더 많은 사람들이 책을 읽게 되었고 이것이 문학을 풍요롭게 했습니다.
사진이 회화를 파괴했는가. 아닙니다. 회화가 달라졌습니다. 더 자유로워졌습니다. 더 실험적이 되었습니다. 인상주의, 표현주의, 추상미술. 이 모든 것이 사진 이후에 탄생했습니다.
반 룬은 1937년 이 챕터를 쓰면서 이미 영화 시대를 살고 있었습니다. 그리고 영화가 연극을 파괴했는가를 물을 수 있었습니다. 파괴하지 않았습니다. 라디오가 신문을 파괴했는가. 파괴하지 않았습니다.
예술이 기술의 도전 앞에서 살아남는 이유가 있습니다. 예술이 기술보다 더 많은 것을 담기 때문입니다. 기술이 전달할 수 없는 것, 즉 인간의 경험과 감정과 의미를 예술이 담습니다.
그리고 그 담는 방식이 기술의 도전에 의해 더 순수해집니다. 불필요한 것을 잃고 본질만 남는 것.
그것이 예술의 영원성입니다.
이번 화 감상 추천
사진이 탄생한 1839년의 세계와, 그 도전에 예술이 어떻게 반응했는지를 음악으로 경험하는 세 작품을 권합니다.
- 프레데리크 쇼팽, 《발라드 1번 G단조 Op.23》(1835년 완성, 1836년 출판) : 사진이 탄생하기 3년 전, 다게르가 은판에 빛을 새기던 바로 그 시대의 음악. 쇼팽은 사진에 찍혔습니다. 1849년 그가 죽기 직전 루이 오귀스트 비스가 찍은 사진. 그 사진이 쇼팽의 현존하는 유일한 사진입니다. 이 발라드를 들으면서 그 사진 속 쇼팽의 얼굴을 떠올리면, 사진이 기록한 것과 음악이 기록한 것이 얼마나 다른지를 느낍니다. 사진은 순간의 얼굴을, 음악은 영원의 감정을.
- 클로드 드뷔시, 피아노 소품집 《판화(Estampes)》(1903년) : 에스탕프(Estampes)는 프랑스어로 "판화, 인쇄된 이미지"라는 뜻입니다. 드뷔시가 시각적 이미지들을 피아노 음악으로 번역한 것. 파고다(동양), 그라나다의 저녁, 비 내리는 정원. 사진이 이 장면들을 기록한다면 드뷔시가 그 장면의 공기와 냄새와 빛의 질감을 소리로 기록했습니다. 이것이 인상주의 음악이 사진에 대해 내놓은 대답이었습니다.
귀스타프 말러, 《교향곡 1번 D장조 《거인》(1888년 초연)》 : 사진 발명 이후 반 세기. 낭만주의와 현대성 사이. 말러가 이 교향곡에서 자연과 인간과 삶과 죽음을 오케스트라로 담으려 했습니다. 사진이 절대로 담을 수 없는 것들. 1악장에서 자연이 깨어나는 소리. 3악장에서 어린이 장례 행진 선율이 뒤틀리는 것. 4악장의 폭풍 같은 질주. 이것들이 사진으로 찍을 수 없는 것들입니다. 이것들이 오직 음악이 담을 수 있는 것들입니다.
다음 화 예고
다음 시간에는 19세기 음악의 가장 우아하고 가장 빛나는 세계로 들어갑니다. 빈 왈츠. 요한 슈트라우스 아버지와 아들. 황금빛 오케스트라 홀에서 왈츠가 울렸습니다. 빈이 유럽 문화의 중심이었던 그 황금 시대. 그러나 그 아름다운 왈츠 뒤에도 불안이 있었습니다. 합스부르크 제국의 쇠락. 그리고 그 아름다움이 더욱 아름답게 느껴진 이유.
EP.58, 왈츠의 왕: 빈의 황금시대에서 뵙겠습니다.
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