EP.30 눈과 귀의 각성 : 새로운 눈이 보는 법을 배웠을 무렵, 새로운 귀가 트이기 시작했다

「예술, 인간을 말하다」 

팔레스트리나 초상화 (16세기)

1501년, 베네치아의 한 인쇄소.
오타비아노 페트루치라는 이름의 인쇄업자가 새로운 기계 앞에 서 있습니다. 그의 손에는 막 찍혀 나온 책 한 권. 《오데카톤(Harmonice Musices Odhecaton)》. 100개의 노래라는 뜻.
그런데 이 책은 글이 아닙니다. 음악입니다.
오선지 위에 음표들이 정확하게 인쇄되어 있습니다. 당대 최고 작곡가들의 다성음악 작품 96곡. 조스캥 데프레, 오케겜, 부아 모르티에. 이 노래들이 처음으로 종이 위에 인쇄되어 누구나 살 수 있는 상품이 되었습니다.
구텐베르크가 1450년대에 인쇄기를 발명한 것이 성경을 대중화했듯이, 페트루치의 악보 인쇄가 음악을 대중화했습니다.
그 전까지 음악은 어떻게 전해졌을까요. 손으로 쓴 악보. 극소수만 가질 수 있었습니다. 또는 입에서 귀로, 스승에서 제자로. 음악은 공기 속에서만 살았습니다.
이제 음악이 종이 위에 살기 시작했습니다.
반 룬은 이 순간을 브루넬레스키의 원근법 발견, 반 에이크의 유화 완성과 나란히 놓습니다. 보는 것의 혁명이 있었고, 듣는 것의 혁명이 있었습니다. 그리고 이 두 혁명은 같은 시대의 자녀들이었습니다. 같은 정신, 같은 에너지, 같은 방향.
인간이 세계를 새롭게 보기 시작할 때, 인간은 세계를 새롭게 듣기도 시작했습니다.

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르네상스 이전의 음악 : 무엇이 바뀌었는가

르네상스 음악의 혁명을 이해하려면 먼저 그 이전을 보아야 합니다.
중세 교회 음악의 중심은 그레고리오 성가였습니다. 단선율. 반주 없이 인간의 목소리만으로. 라틴어 텍스트를 하나의 선율로 노래하는 것. 이 성가들은 아름다웠습니다. 그러나 하나의 목소리였습니다.
13세기에 다성음악(Polyphony)이 발전하기 시작했습니다. 두 개, 세 개, 네 개의 서로 다른 선율이 동시에 울리는 것. 이것이 페로탱과 레오냉의 노트르담 악파에서 처음 체계화되었습니다.
그러나 초기의 다성음악은 복잡했습니다. 엄격한 규칙이 있었고, 수학적 구조가 우선이었습니다. 음악이 듣기 아름다운 것보다 이론적으로 완벽한 것이 더 중요했습니다.
르네상스가 가져온 변화는 무엇이었을까요.
반 룬은 하나의 핵심 전환을 지적합니다. 음악이 수학에서 인간으로 이동한 것. 신학적 완벽함에서 감각적 아름다움으로. 악보 위의 이론에서 귀에 들리는 소리로.
이 전환은 회화에서의 전환과 정확하게 대응합니다. 중세 회화가 신학적 진리를 상징으로 표현했듯이 중세 음악이 신학적 질서를 수학으로 표현했다면, 르네상스 회화가 인간의 눈을 위해 그렸듯이 르네상스 음악은 인간의 귀를 위해 작곡했습니다.

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플랑드르 악파 : 북쪽에서 온 음악 혁명

르네상스 음악의 혁명을 먼저 일으킨 것은 이탈리아가 아니었습니다. 플랑드르였습니다.
회화에서 얀 반 에이크가 유화로 혁명을 일으킨 것처럼, 음악에서는 플랑드르 작곡가들이 다성음악의 새로운 가능성을 열었습니다. 이 두 예술적 혁명이 같은 땅에서 거의 같은 시기에 일어난 것이 우연은 아닙니다.
요하네스 오케겜(Johannes Ockeghem, 1410~1497). 플랑드르 음악의 첫 번째 거장. 그의 음악에서 여러 성부가 처음으로 진정한 독립성을 가지기 시작했습니다. 이전의 다성음악에서 하나의 성부가 주도적이고 나머지가 그것을 장식했다면, 오케겜에서는 모든 성부가 동등하게 중요했습니다. 각 목소리가 자신만의 여정을 가지면서 동시에 전체 조화를 이룹니다.
오케겜의 가장 놀라운 작품 중 하나는 《프롤라티오 미사(Missa Prolationum)》입니다. 이 미사는 두 성부로 시작해 네 성부로 확장되며, 각 성부가 서로 다른 박자와 음정으로 진행됩니다. 수학적 복잡함이 극한에 달하지만, 그 결과물은 단순히 지적 체조가 아닌 실제로 아름다운 음악입니다. 이것이 오케겜의 위대함이었습니다. 복잡한 구조가 귀에 자연스럽게 들리게 하는 것.
야코프 오브레흐트(Jacob Obrecht, 1457~1505). 오케겜의 다음 세대. 그의 음악에서 선율이 더욱 유연해지고 표현적이 됩니다. 중세의 엄격한 선율 형식에서 벗어나 보다 자유롭게 흐르는 선율. 귀가 듣기에 자연스러운 음악.
이 플랑드르 작곡가들이 유럽 전역의 왕실과 교회 예배당에 초청받았습니다. 그들의 음악이 이탈리아, 스페인, 독일, 오스트리아로 퍼져나갔습니다. 그리고 그 영향 속에서 가장 위대한 르네상스 음악가가 등장했습니다.

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조스캥 데프레 : 음악의 레오나르도

조스캥 데프레(Josquin des Prez, 1450~1521). 반 룬은 그를 음악의 레오나르도 다 빈치라고 부릅니다. 이 비교는 단순한 수사가 아닙니다.
두 사람은 거의 같은 시대를 살았습니다. 레오나르도가 1452년생이고, 조스캥이 1450년경 출생으로 추정됩니다. 두 사람 모두 이탈리아에서 오랫동안 일했습니다. 두 사람 모두 당대의 가장 위대한 예술가로 인정받았습니다. 두 사람 모두 완벽주의자였고, 따라서 작품을 느리게 완성했습니다.
그리고 두 사람 모두 인간의 감정을 자신의 예술에서 가장 중요한 것으로 삼았습니다.
조스캥의 음악을 처음 들을 때의 경험은 독특합니다. 여러 목소리가 동시에 노래하지만 혼돈이 없습니다. 각 목소리가 명확하게 들리면서도 전체가 하나입니다. 그리고 그 음악에서 감정이 들립니다. 슬픔이 들립니다. 기쁨이 들립니다. 경이로움이 들립니다.
그의 모테트 《데플로라티온(Déploration sur la mort de Johannes Ockeghem)》을 들어보면 이것이 단순한 장르 작품이 아님을 느끼게 됩니다. 스승 오케겜의 죽음을 애도하는 이 작품에서 슬픔이 음악 자체에서 흘러나옵니다. 텍스트를 이해하지 않아도, 악보를 볼 수 없어도, 그 슬픔이 귀에 들립니다.
마르틴 루터는 조스캥에 대해 이렇게 말했습니다. "다른 작곡가들은 음표가 시키는 대로 한다. 그러나 조스캥은 음표들로 원하는 것을 한다." 이것이 정확한 묘사입니다. 조스캥은 음악의 규칙을 마스터한 후, 그 규칙이 자신의 표현을 위해 봉사하게 만들었습니다.
반 룬은 이 평가에서 레오나르도와의 유사성을 봅니다. 레오나르도가 원근법과 해부학을 완전히 습득한 후 그것들을 자신의 시각적 표현을 위해 사용했듯이, 조스캥은 대위법의 모든 규칙을 습득한 후 그것들을 자신의 음악적 표현을 위해 사용했습니다. 도구가 예술가를 지배하는 것이 아니라 예술가가 도구를 지배하는 것. 이것이 천재의 표시입니다.

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모테트와 미사 : 르네상스 음악의 두 기둥

르네상스 음악의 주요 형식들을 이해하면 이 시대의 음악이 어떻게 발전했는지가 보입니다.
모테트(Motet). 라틴어 텍스트를 여러 성부로 노래하는 형식. 주로 종교적 내용이지만 반드시 예배용은 아니었습니다. 르네상스 모테트에서 각 성부가 텍스트의 의미를 음악으로 표현하려는 시도가 처음으로 체계화됩니다. 슬픈 단어가 나오면 선율이 하강합니다. 기쁜 단어가 나오면 선율이 상승합니다. 빛을 묘사하는 단어에서 음악이 밝아집니다. 어둠을 묘사하는 단어에서 음악이 어두워집니다. 이것을 음화법(Word Painting)이라고 합니다.
이 음화법이 왜 중요한가. 그것은 음악이 단순히 텍스트를 전달하는 수단이 아니라 텍스트의 의미를 스스로 표현할 수 있다는 선언이었습니다. 음악이 독립적인 표현 언어가 된 것입니다.
미사(Mass). 가톨릭 예배의 핵심 음악 형식. 키리에, 글로리아, 크레도, 상투스, 아뉴스 데이의 다섯 부분으로 구성된 이 형식이 르네상스 작곡가들에게 가장 중요한 도전이었습니다. 하나의 통일된 음악적 아이디어로 이 다섯 부분을 연결하는 것. 이 과제에서 각 작곡가의 역량이 가장 선명하게 드러났습니다.
팔레스트리나(Giovanni Pierluigi da Palestrina, 1525~1594)의 《교황 마르첼루스 미사》는 르네상스 폴리포니의 정점으로 꼽힙니다. 이 미사가 특별한 것은 텍스트가 명확하게 들린다는 것입니다. 여러 성부가 동시에 노래하면서도 라틴어 가사 하나하나가 뚜렷하게 들립니다. 이것은 기술적으로 매우 어려운 것입니다. 1563년 트리엔트 공의회가 교회 음악의 명확성을 요구했을 때 팔레스트리나의 미사가 그 이상적 모델로 제시되었습니다.
반 룬은 팔레스트리나의 음악을 라파엘로의 그림과 비교합니다. 둘 다 완벽한 조화를 이루고, 둘 다 그 조화가 자연스럽게 들리고 보입니다. 노력이 드러나지 않는 완벽함. 이것이 르네상스 예술이 도달한 최고 지점이었습니다.

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마드리갈 : 세속 음악의 꽃

모테트와 미사가 교회 음악이었다면, 마드리갈(Madrigal)은 르네상스 세속 음악의 가장 중요한 형식이었습니다.
마드리갈은 이탈리아에서 14세기에 처음 등장했지만, 16세기에 폭발적으로 발전했습니다. 이탈리아어로 된 시를 여러 성부로 노래하는 형식. 주제는 대부분 사랑이었습니다. 사랑의 기쁨, 이별의 슬픔, 그리움, 질투, 봄의 아름다움.
마드리갈에서 음화법이 가장 정교하게 발전했습니다. 루카 마렌치오(Luca Marenzio, 1553~1599)의 마드리갈들에서 이것이 극한에 달합니다. 바람을 묘사하는 부분에서 성부들이 급격하게 움직입니다. 죽음을 묘사하는 부분에서 음악이 갑자기 느려지고 어두워집니다. 눈물을 묘사하는 부분에서 반음계적 하강이 나타납니다.
이 표현의 강도가 점점 높아지면서 마드리갈은 크로마티시즘(Chromaticism)으로 나아갔습니다. 반음계의 사용. 카를로 제수알도(Carlo Gesualdo, 1566~1613)는 이것을 극단까지 밀고 나갔습니다. 그의 마드리갈에서 화성이 갑작스럽고 예측 불가능하게 변합니다. 듣는 사람이 불안하고 불편합니다. 그러나 그 불안함이 텍스트의 감정 내용을 완벽하게 표현합니다.
반 룬은 마드리갈의 발전에서 예술의 본질적인 경향을 봅니다. 표현의 강도가 높아질수록 형식이 도전받습니다. 더 강하게 표현하려는 욕구가 기존의 언어를 넘어서려 합니다. 제수알도의 극단적 크로마티시즘이 훗날 바흐의 화성 언어를 거쳐 바그너의 반음계주의, 그리고 20세기 무조 음악으로 이어지는 긴 여정의 씨앗을 담고 있습니다.

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인쇄술 : 음악을 해방시킨 기술

반 룬이 이 챕터에서 특별히 강조하는 것이 악보 인쇄의 혁명입니다.
오타비아노 페트루치가 1501년 베네치아에서 인쇄한 《오데카톤》이 왜 중요한가.
그 전까지 악보는 손으로 필사했습니다. 수도원의 필경사들이 수개월에 걸쳐 하나의 악보를 베꼈습니다. 이 악보들은 비쌌고 희귀했습니다. 왕실 예배당이나 대성당 같은 부유한 기관들만 소장할 수 있었습니다.
인쇄된 악보는 달랐습니다. 같은 악보를 수백 부 찍을 수 있었습니다. 가격이 낮아졌습니다. 상인, 귀족, 부유한 시민들도 악보를 구매할 수 있게 되었습니다.
이 변화가 가져온 결과는 두 가지였습니다.
첫째, 음악이 지리적으로 확산되었습니다. 베네치아에서 인쇄된 조스캥의 미사가 런던과 파리와 마드리드의 음악가들 손에 들어갔습니다. 피렌체에서 발전한 마드리갈이 영국으로 건너가 영국 마드리갈을 낳았습니다. 음악 양식의 교류가 이전과는 비교할 수 없는 속도로 일어났습니다.
둘째, 아마추어 음악이 번성했습니다. 악보를 구매할 수 있는 귀족과 부유한 시민들이 집에서 음악을 즐기기 시작했습니다. 류트, 비올, 하프시코드. 이 악기들이 가정의 일상적인 물건이 되었습니다. 음악이 교회와 왕실 밖으로 나온 것입니다.
반 룬은 이 변화를 회화의 변화와 연결합니다. 유화가 이동 가능한 그림을 만들어 예술 시장을 창출했듯이, 인쇄 악보가 이동 가능한 음악을 만들어 음악 시장을 창출했습니다. 예술이 점점 더 민주화되어 가는 과정. 특권 계층의 전유물에서 더 넓은 사회로 퍼져나가는 것.

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악기의 발전 : 소리를 만드는 새로운 방법

르네상스 음악의 또 다른 중요한 발전은 악기에 있었습니다.
중세에 악기는 주로 성악을 반주하거나 대중적인 오락을 위해 사용되었습니다. 교회 음악에서 악기는 오르간을 제외하고는 큰 역할을 하지 못했습니다.
르네상스에서 악기 음악이 독립적인 예술 형식으로 발전하기 시작했습니다.
류트(Lute). 아랍의 우드(ud)에서 발전한 이 발현 악기가 르네상스 시대 가장 사랑받는 악기였습니다. 류트 연주자는 당대 최고 음악가의 지위를 누렸습니다. 류트를 위한 판타지아, 리체르카레, 당스 같은 형식들이 발전했습니다. 그리고 류트 연주자들이 새로운 기법들을 개발하면서 순수 기악 음악의 기초를 닦았습니다.
비올(Viol). 현대 바이올린의 전신이 아닌, 별개의 악기입니다. 다리 사이에 끼거나 무릎 위에 놓고 연주하는 이 활 악기 가족이 르네상스 실내악의 중심이었습니다. 비올 콘소트, 즉 여러 크기의 비올들로 이루어진 앙상블이 귀족 가정에서 연주되었습니다.
건반 악기. 하프시코드, 버지날, 클라비코드. 이 건반 악기들을 위한 독자적인 레퍼토리가 발전했습니다. 영국의 버지날리스트들, 특히 윌리엄 버드(William Byrd)와 존 불(John Bull)이 건반 음악의 기초를 닦았습니다.
반 룬은 악기 음악의 발전에서 음악 자율성의 획득을 봅니다. 음악이 더 이상 텍스트에 종속될 필요가 없어진 것. 말 없이도 음악은 무언가를 말할 수 있습니다. 이 인식이 이후 기악 음악의 거대한 발전을 가능하게 했습니다. 바흐의 푸가, 하이든과 모차르트의 교향곡, 베토벤의 소나타. 이 모든 것이 르네상스에서 싹튼 기악 음악의 자율성에서 자랐습니다.

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음악 이론 : 소리를 이해하는 새로운 방법

르네상스의 인문주의자들이 고대 그리스 텍스트를 재발견하면서 음악 이론에도 혁명이 일어났습니다.
고대 그리스인들이 음악에 대해 무엇을 알았는가. 피타고라스의 음향 이론, 플라톤의 음악 철학, 아리스토텔레스의 음악 심리학. 이 텍스트들이 이탈리아 인문주의자들에게 새롭게 읽혔습니다.
특히 중요한 것은 에토스 이론(Theory of Ethos)이었습니다. 그리스인들의 믿음, 즉 음악이 인간의 감정과 성격에 직접 영향을 미친다는 것. 도리아 선법은 용기를 주고, 프리지아 선법은 흥분을 일으키고, 리디아 선법은 슬픔을 만든다는 것.
이 이론이 르네상스 작곡가들에게 강렬한 영감을 주었습니다. 그렇다면 음악이 감정을 표현할 뿐 아니라 감정을 만들어낼 수 있다는 것. 작곡가가 의도적으로 청중의 감정 상태를 조절할 수 있다는 것.
이 생각이 플로렌티나 카메라타(Florentine Camerata)를 낳았습니다. 1570~1580년대 피렌체에서 조반니 바르디 백작의 집에 모인 인문주의자들과 음악가들의 모임. 이들은 고대 그리스 비극이 어떻게 음악과 함께 공연되었는지를 연구하고, 그것을 재현하려 했습니다.
이 시도에서 탄생한 것이 오페라였습니다.
반 룬은 잠시 멈추고 이 연결의 놀라움을 이야기합니다. 인문주의자들이 2,000년 전 그리스 텍스트를 읽다가 오페라를 발명했습니다. 고대를 이해하려는 학문적 탐구가 전혀 새로운 예술 형식을 낳았습니다. 이것이 르네상스의 방식이었습니다. 과거를 향하면서 미래로 나아가는 것.

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눈과 귀가 함께 깨어나다 : 두 혁명의 연결

반 룬이 이 챕터에서 가장 강조하고 싶은 것은 시각 예술과 음악의 동시 혁명이 우연이 아니라는 것입니다.
원근법이 회화에서 공간을 정복한 것처럼, 다성음악이 음악에서 시간을 정복했습니다. 여러 성부가 동시에 다른 선율을 노래하는 것은 여러 시간적 층위를 하나의 음악적 공간 안에 공존시키는 것이었습니다.
유화가 색채와 빛을 새롭게 표현할 수 있게 한 것처럼, 크로마티시즘이 음악에서 감정의 뉘앙스를 새롭게 표현할 수 있게 했습니다.
레오나르도가 자연을 과학적으로 관찰했듯이, 르네상스 음악 이론가들이 음향을 과학적으로 분석했습니다. 오선지는 공간 속에 소리를 배치하는 방법이었습니다. 그것은 원근법이 평면에 공간을 배치하는 방법이었던 것과 같습니다.
그리고 가장 근본적으로, 두 혁명이 같은 방향을 향했습니다. 인간의 감각을 향해. 눈에 보이는 것을 있는 그대로 표현하는 것. 귀에 들리는 것을 있는 그대로 표현하는 것. 그리고 나아가 인간의 감정을 표현하는 것.
중세 예술이 신을 향했다면, 르네상스 예술은 인간을 향했습니다. 회화에서도, 음악에서도.
반 룬은 이 평행이 단순한 우연이 아니라 시대정신(Zeitgeist)의 표현이라고 봅니다. 어떤 시대에는 모든 예술 형식이 같은 방향으로 움직입니다. 그 방향을 결정하는 것은 작곡가나 화가 개인이 아닙니다. 그 시대를 살아가는 인간들의 공통된 세계 이해, 공통된 감수성입니다.

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영국의 르네상스 음악 : 섬이 만든 소리

이탈리아와 플랑드르만이 르네상스 음악의 무대가 아니었습니다. 영국에서도 독자적인 음악적 르네상스가 일어났습니다.
헨리 8세. 그는 정치가이기 전에 음악가였습니다. 류트를 능숙하게 연주했고, 직접 노래를 작곡했습니다. 그의 궁정에서 음악이 번성했습니다.
윌리엄 버드(William Byrd, 1543~1623). 영국 르네상스 음악의 가장 위대한 이름. 그는 가톨릭 신자였습니다. 엘리자베스 여왕 치하의 개신교 영국에서 가톨릭 신자로 사는 것은 위험했습니다. 그러나 버드의 음악적 천재성이 그를 보호했습니다. 여왕은 그를 처벌하지 않았습니다.
버드는 모든 형식에서 탁월했습니다. 라틴어 모테트, 영어 성가(anthem), 버지날 음악, 마드리갈. 그의 버지날 음악들은 르네상스 건반 음악의 가장 중요한 유산 중 하나입니다. 《버지날 책(The Fitzwilliam Virginal Book)》에 수록된 297개의 작품들은 오늘날에도 연주됩니다.
토마스 탤리스(Thomas Tallis, 1505~1585)와 버드의 협력 관계도 주목해야 합니다. 두 세대 차이가 나는 이 두 작곡가가 함께 엘리자베스 여왕으로부터 악보 출판 독점권을 받았습니다. 이 협력이 영국 음악 출판의 기초를 놓았습니다.
탤리스의 40성부 모테트 《스펨 인 알리움(Spem in Alium)》은 르네상스 다성음악의 극한을 보여줍니다. 40개의 독립적인 성부가 동시에 노래합니다. 8개의 합창단, 각 5성부씩. 이 음악을 처음 들을 때의 경험은 압도적입니다. 40개의 목소리가 만들어내는 소리의 대성당.
반 룬은 영국 르네상스 음악에서 섬 문화의 특성을 봅니다. 대륙의 영향을 받아들이되 자신만의 방식으로 소화하는 것. 이탈리아 마드리갈이 영국으로 건너와 영국 마드리갈이 되었을 때 그것은 이미 다른 것이 되어 있었습니다. 영국의 기후, 영국의 언어, 영국의 감수성이 음악에 스며들었습니다.

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음악과 사회 : 누구를 위한 음악인가

르네상스 음악의 또 다른 중요한 변화는 사회적인 것이었습니다. 음악이 누구를 위한 것인가의 문제.
중세에 예술 음악은 주로 교회를 위한 것이었습니다. 왕실 예배당과 대성당이 전문 음악가들을 고용하고 새로운 음악을 위촉했습니다.
르네상스에서 세속 후원이 중요해졌습니다. 메디치 가문, 에스테 가문, 스포르차 가문, 곤차가 가문. 이탈리아의 귀족 가문들이 음악가들을 후원했습니다. 그들의 궁정에서 마드리갈이 연주되었고, 새로운 음악 형식들이 발전했습니다.
그리고 악보 인쇄의 보급과 함께 아마추어 음악이 꽃피었습니다. 르네상스의 이상적인 인간, 보편인간(uomo universale)은 음악을 할 수 있어야 했습니다. 발다사레 카스틸리오네의 《궁정론(Il Libro del Cortegiano, 1528)》은 이상적인 궁정인의 덕목 중 하나로 음악적 능력을 들었습니다. 류트나 비올을 연주하고, 마드리갈을 노래할 수 있는 것.
이것이 음악 교육의 발전으로 이어졌습니다. 악보가 인쇄되고, 교습 방법이 책으로 출판되었습니다. 음악이 더 이상 전문 음악가만의 것이 아니게 되었습니다.
반 룬은 이 민주화에서 예술의 보편적 가치에 대한 르네상스적 믿음을 봅니다. 알베르티의 보편인간 개념이 단순히 다재다능한 것이 아니었습니다. 그것은 음악, 미술, 문학, 수학, 체육 모두를 포함하는 전인적 발전이었습니다. 예술이 소수의 전유물이 아닌 교양 있는 모든 사람의 삶의 일부가 되어야 한다는 믿음.
이 믿음이 오늘날 우리가 음악 교육을 당연한 것으로 여기는 문화의 씨앗이었습니다.

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반 룬이 눈과 귀의 각성에서 읽어낸 것

반 룬은 이 챕터를 마무리하면서 감각의 해방이라는 주제로 돌아옵니다.
중세는 감각을 두려워했습니다. 아름다운 것을 보는 것, 아름다운 소리를 듣는 것이 영혼을 타락시킬 수 있다는 경계. 이 두려움이 예술을 신학의 봉사자로 묶어두었습니다.
르네상스는 이 두려움으로부터 눈과 귀를 해방시켰습니다.
눈이 세계를 있는 그대로 볼 수 있게 되었습니다. 원근법으로, 유화로, 해부학으로. 귀가 세계를 있는 그대로 들을 수 있게 되었습니다. 다성음악으로, 크로마티시즘으로, 기악 음악으로.
그리고 이 두 해방이 같은 결론으로 이어졌습니다. 세계는 아름답습니다. 감각적 경험이 아름답습니다. 인간이 만든 것이 아름답습니다.
반 룬은 1937년 이 책을 쓰면서 다시 한번 이 결론의 정치적 의미를 생각합니다. 감각을 통제하려는 세력, 인간이 무엇을 보고 들을지를 결정하려는 세력. 이것이 예술 통제의 본질입니다. 나치가 '퇴폐 음악'을 금지하고 '퇴폐 미술'을 불태운 것이 우연이 아닙니다. 자유로운 감각은 자유로운 정신의 표시입니다.
르네상스에서 눈과 귀가 동시에 깨어났을 때, 그것은 단순한 예술적 사건이 아니었습니다. 그것은 인간 해방의 한 페이지였습니다. 신학이 아닌 자신의 눈으로 세계를 보는 것. 권위가 아닌 자신의 귀로 진실을 듣는 것.
그 해방이 오늘날에도 계속됩니다. 우리가 음악을 들을 때, 그림을 볼 때. 우리는 500년 전 조스캥이 음표를 썼던 그 자유를, 반 에이크가 붓을 들었던 그 자유를 이어받고 있습니다.

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이번 화 감상 추천

눈과 귀가 동시에 깨어나는 르네상스 음악의 각성을 직접 경험해 보시기를 권합니다.

• 조스캥 데프레, 《아베 마리아》 : 음악의 레오나르도가 만든 가장 완벽한 모테트. 네 성부가 만들어내는 조화가 기적처럼 자연스럽습니다. 마르틴 루터가 "신이 만든 음악"이라 했던 바로 그 작품. 처음 들었을 때의 충격이 500년 전 피렌체 시민들이 마사초의 《삼위일체》 앞에서 느꼈을 충격과 같은 종류의 것입니다.

• 팔레스트리나, 《교황 마르첼루스 미사》 : 르네상스 폴리포니의 가장 완벽한 표현. 라파엘로의 《아테네 학당》이 시각 예술에서 이룬 것을 이 미사가 음악에서 이루었습니다. 완벽한 조화, 명확한 텍스트, 아름다운 선율. 들으면서 그림이 보이고, 그림을 보면서 음악이 들리는 경험을 하게 됩니다.

• 토마스 탤리스, 《스펨 인 알리움》 : 40성부의 기적. 8개의 합창단이 만들어내는 소리의 대성당 안에 서 있을 때, 미켈란젤로의 시스티나 천장화 아래 서 있을 때의 압도감과 같은 것을 경험합니다. 눈과 귀가 하나가 되는 순간입니다.

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다음 화 예고

다음 시간에는 르네상스가 이탈리아를 넘어 북유럽으로 퍼져나가는 과정을 살펴봅니다. 알프스 산맥을 넘어 독일과 플랑드르와 네덜란드로. 그러나 북쪽의 르네상스는 이탈리아의 것과 달랐습니다. 더 도덕적이고, 더 종교적이고, 더 내면을 향했습니다. 에라스무스와 뒤러, 홀바인이 만든 북방 르네상스. 그리고 그것이 종교개혁과 어떻게 만났는지를 함께 살펴보겠습니다.
EP.31 : 알프스 너머의 르네상스: 새로운 번영이 유럽 중앙부에 오르다에서 뵙겠습니다.